Historias Irreales

Julian Lennon y la música de los Beatles

2010-12-04T17:12:00.000-08:00

Julian Lennon fue el primer hijo del mítico cantante. Nació en el momento en el que comenzaba a desatarse la beatlemanía y, por tanto, apenas pudo disfrutar de la presencia de su padre, siempre de gira, siempre grabando, siempre ausente. Durante este tiempo, el matrimonio y el nacimiento de Julian fueron mantenidos en un relativo secreto para no enturbiar la fama del grupo.

Cuando la marea bajó, el divorcio de sus padres privó definitivamente a Julian de la compañía estable de John. A partir de entonces, el contacto con su padre fue esporádico con motivo de vacaciones y visitas puntuales.

Podría parecer por tanto que la vida de Julian no es más que una pequeña nota al pie de página de la inmensa historia de los Beatles. Sin embargo, todos aquellos que disfrutan de la música del grupo deben estar agradecidos a Julian ya que fue fuente de inspiración para el grupo en alguna de sus mejores canciones.

Lucy O’Donnell era la niña de cuatro años que compartía pupitre con Julian en la escuela y a quien éste dibujó suspendida en el cielo bajo un cielo rebosante de brillantes estrellas. El pequeño Julian tituló su dibujo, con gran talento e imaginación, Lucy en el cielo con diamantes.

Lo que no pudo llegar a imaginar cuando mostró orgulloso el dibujo a su padre, era que éste quedaría fascinado por el mismo y que unos días después se lo mostraría a Paul cuando éste le visitó en su casa. Apenas les faltó tiempo para comenzar a componer Lucy in the Sky with Diamonds, la famosa canción quesería prohibida por la BBC por su supuestas referencias al LSD.

Apenas un año más tarde, mientras Paul acudía a visitar a Julian y Cynthia. tras su ruptura con John, comenzó a componer una canción para levantar el ánoimo del pequeño Julian . El título original, Hey Jules sería cambiado finalmente por el de Hey Jude.

Sorprendente, John siempre creyó que esa canción estaba destinada a él y era el mensaje de Paul animándole para que se volcara plenamente en su relación con Yoko.

Por último, menos conocida pero sin duda más emotiva y personal, Good Night del White Album, interpretada por Ringo, era una nana compuesta por John para su hijo. La canción cierra el segundo disco del álbum al igual que Julia, la canción compuesta en homenaje a la madre de John (y en cuyo honor igualmente fue escogidfoel nombre de Julian) cierra el primer disco de este doble LP.

La inspiración puede llegar a través de los más variados caminos (un dibujo infantil, una situación familiar dramática o bajo un esquema tan convencional como una nana). Lo que sólo algunos consiguen es hacer de ello una obra de arte.

Las enseñanzas del rabino

2009-12-08T12:00:00.001-08:00

En ocasiones nuestro afán por simplificar, por clarificar nuestras ideas, nos lleva a conclusiones totalmente descabelladas de las que apenas somos conscientes. Lo mismo sirve cuando tratamos de explicar una idea o un hecho a otra persona, resulta dificil conocer si realmente hemos logradro cumplir correctamente nuestra misión.

Sobre este asunto he leído recientemente una historia que sirve para ilustrar cómo el encadenamiento de ideas puede llevar al absurdo. La Literatura es rica en escenas como ésta y es una muestra de cómo un libro puede ayudarnos a reflexionar sobre nuestra forma de actuar y de pensar.

Un buen día, el ciego Iosel, ayudándose con su bastoncito, fue a visitar al rabino y le preguntó:

- Rabí, ¿qué estás haciendo ahora?
- Estoy tomando leche.
- ¿Cómo es la leche, rabí?
- Es un líquido blanco.
- ¿Qué quiere decir "blanco"?
- Blanco, pues... es el color de los cisnes.
- ¿Y qué es un "cisne"?
- Un ave que tiene el cuello curvo.
- ¿Qué es "curvo"?
El rabino dobló su bazo por el codo.
- Anda, tiéntalo y sabrás.
El ciego Iosel palpó atentamente el brazo del rabino y dijo agradecido:
- Gracias, rabí. ¡Ahora ya sé cómo es la leche!

Angel Wagenstein. El Pentateuco de Isaac- Libros del Asteroide

Paul ha muerto: la historia

2008-09-21T04:07:00.001-07:00

Paul McCartney no es Paul McCartney. A quien vemos cantando por el mundo, concediendo entrevistas o divorciándose, es realmente a su doble: William Shears Campbell (the one and only Billy Shears, ¿les suena?).

Y entonces, ¿dónde está el Paul auténtico, el James Paul McCartney verdadero? Desgraciadamente para el mundo de la música, Paul falleció en un accidente de tráfico el día 9 de noviembre de 1966, en torno a las cinco de la madrugada. Parece ser que se saltó un semáforo en rojo y se estrelló con su pequeño coche. Algunas personas acudieron al oir el ruido y, aunque la cara del fallecido les resultó familiar, las heridas impidieron que fuera reconocido.

Para evitar el efecto que esta noticia tendría entre los millones de fans (especialmente las femeninas) y, todo hay que decirlo, para mantener vivos a los Beatles y su negocio, se tomó la decisión de ocultar los hechos y suplantar la figura de Paul por la de un doble que guardara cierto parecido, para lo que se recurrió al ganador de un concurso de dobles de los Beatles.

A partir de ese momento, los Beatles dejaron de actuar en directo (de hecho, ya lo habían anunciado en agosto de aquel año, tras su gira de verano por los Estados Unidos), se dejaron crecer bigote y se recluyeron en el estudio de grabación para superar la pérdida, arrojándose poco después en los brazos de un gurú indio que les confortara.

La presión de reprimir los sentimientos por la pérdida de su compañero encontró una válvula de escape en pequeños guiños, claves y referencias desperdigadas en los discos siguientes de los Beatles. Algunos fans comenzaron a hilar todas estas pequeñas pruebas y, primero en forma de rumor, y posteriormente a través de programas radiofónicos, artículos sesudos en revistas musicales y universitarias e incluso en libros dedicados en exclusiva a este asunto, se dio a conocer la historia completa y verdadera. Aún hoy en día siguen apareciendo nuevas evidencias de que Paul murió. Las canciones de los Beatles se examinan con lupa, da igual que sean posteriores o no al accidente, -¿alguien negaría a los Beatles cierta capacidad profética?-, las portadas de los discos se revelan al blanco y negro, al sepia, los sonidos se reproducen al derecho y al revés de modo que la lista de evidencias hace tiempo que dejó de ser manejable excepto para un reducido número de expertos en leyendas urbanas y demás teorías conspirativas.

Poco importa que el falso Paul sea tan talentoso como el anterior, que las pruebas sean realmente endebles, cuando no ridículas o que la mayoría tenga una explicación más razonable que la muerte de Paul. El mito de Paul ha muerto es una de las más fascinantes y falsas historias en torno a los Beatles. Para los que desconozcan la historia, aquí van algunas de las claves más conocidas.

- Strawberry Fields Forever: en los últimos segundos de la canción, John dice en tono muy bajo y grave I buried Paul -"Yo enterré a Paul". Hay quien sostiene, entre ellos el propio John, que realmente lo que se dice es: cranberry sauce -"salsa de arándanos", ¿a quién querrá engañar?

- Portada de Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band: se trata ni más ni menos que la representación del funeral de Paul. Los tres Beatles (más el falso Paul) ante la tumba del Paul verdadero. Unas flores rojas forman la palabra Beatles, como recuerdo de quién fue el muerto. Unas flores amarillas hacen la figura de un bajo (el instrumento que Paul tocaba) con sólo tres cuerdas (no cuatro) que representan a los tres beatles supervivientes. En la chaqueta que viste el falso Paul se puede ver una etiqueta con la mención O.P.D. = Officially Pronounced Dead = Declarado Oficialmente Fallecido). Algunos ilusos aseguran que realmente es la insignia de la Policía Provincial de Ontario (Ontario Provincial Police). En la contraportada del disco aparece una foto de los cuatro beatles en la que Paul posa de espaldas, en señal de despedida.

- A Day In The Life: en esta canción, John describe el accidente: He blew his mind out in a car. He didn't notice that the lights had changed. A crowd of people stood and stared. They'd seen his face before, nobody was really sure if he was from the house of Lords. ("Él se mató en un coche. No vió que las luces habían cambiado. Una multitud observaba, habían visto su cara antes, nadie estaba realmente seguro de si pertenecía a la Cámara de los Lores"). Más claro no se podía decir.

- Glass Onion: en esta extraña canción John canta The Walrus was Paul ("La morsa era Paul"). Como todos conocen, la morsa es en la mitología escandinava la representación de la muerte (lo que enlaza con la canción I am the Walrus).

- I´m so Tired: al final de esta canción se puede escuchar a John musitando: Paul is dead man. Miss him, miss him, miss him!. ("Paul está muerto, le añoro")

- Revolution 9: esta canción de John con forma de collage de sonidos, repite un estribillo constante: las palabras Number nine. Si se reproduce al revés, se puede escuchar: Turn me on, dead man. ("Conéctame, muerto").

- Portada de Abbey Road: se trata de la comitiva funeraria del entierro de Paul. Es decir, John vestido totalmente de blanco (el sacerdote), seguido de Ringo con traje negro (la familia de luto), Paul (con el paso cambiado en relación al resto, descalzo y fumando un cigarro con la mano derecha, pese a que Paul era zurdo), y finalmente George con ropa vaquera (el enterrador). Y, ¿a dónde dirige sus pasos esta triste comitiva? Nada más y nada menos que a una iglesia (Abbey Road, los estudios de grabación de los Beatles, al otro lado del paso de cebra). ¿No tienen suficiente? Aquí va más: el asfalto junto a Ringo tiene manchas rojas (¿sangre?) y la matrícula del coche blanco aparcado a la izquierda es 28IF (es decir, si Paul viviera, tendría 28 años).

Tras la separación de los Beatles, y pese a la publicación de la noticia de la muerte de Paul, las claves continuaron en los trabajos en solitario. El caso más claro es la canción de John How do you sleep? en la que canta: Those freaks was right when they said you was dead ("Aquellos frikis tenían razón cuando decían que estabas muerto"). Pero incluso, el mismo Paul (sea o no el verdadero), publicó un LP con el título Paul is Live ("Paul está vivo") y parodiando la portada del Abbey Road.

En fin, ¿qué podemos sacar en limpio de todo lo anterior? Sin duda, que es fácil manipular a posteriori la información para obtener cualquier resultado que deseemos. Asimismo, cuanto más fantasiosa, más increíble, más próxima a cualquier forma de conspiración o misterio resulte una historia, más eficaz y creíble resultará para muchos y aquí tenemos un perfecto ejemplo de ello.

Recopilación de claves (en inglés)

Postdata.- Como sospecharán, Paul no está muerto. El accidente de tráfico realmente ocurrió pero quien falleció no fue Paul, sino John. De este modo, los Beatles supervivientes "crearon" el rumor de que era Paul quien había muerto a modo de pista falsa para engañar a los investigadores. Por este motivo, ellos mismos contribuyeron a fomentar esta leyenda y sembraron sus canciones con referencias. Por supuesto, que he estudiado a fondo el problema y he reunido las verdaderas claves que prueban esta teoría. Esperen noticias, en breve todos conocerán la verdad.

Literatura en pie de guerra

2008-02-28T13:39:00.000-08:00

La literatura, el arte en general, parece todo lo opuesto a la guerra; muerte frente a creación, horror frente a belleza. Sin embargo, inevitablemente, ambas realidades han tenido que convivir. ¿Cómo se conjugan? ¿Cuál prevalece? ¿Tiene razón de ser el arte ante el sufrimiento cotidiano?

Dzevad Karahasan, profesor de dramaturgia y autor de diversas obras teatrales y ensayos tuvo que afrontar el asedio de Sarajevo en 1992 desde su posición de decano de la Facultad de Artes Escénicas y desde su propia responsabilidad como hombre de letras.

Ante sus alumnos, dispuestos a continuar las clases y llevar a cabo las obras de teatro de fin de carrera, Karahasan les alienta: “Los hombres se han desentendido de nosotros, la fortuna nos ha dejado atrás, el mundo se aparta y la realidad material en la que nos han enseñado a creer nos abandona. Lo único que todavía no nos ha dejado es nuestro trabajo; lo que aprendemos y el oficio al que servimos aún nos protegen. Una de las funciones básicas del arte es la de proteger a la gente de la indiferencia, y el hombre está vivo mientras no permanezca indiferente”.

El trabajo como un valor, un objetivo en sí mismo (no un medio de enriquecerse o subsistir) es la clave de una dignidad que nos salva. Este trabajo, y el arte, sirven como pantalla que nos protege, preserva nuestra dignidad, nuestra sensibilidad, aquello que nos diferencia de las bestias (o de quienes nos bombardean).

Días después, un colega de Karahasan le invita a la fundación del PEN Club como acto de rebelión y resistencia frente a los horrores de la guerra. Pese a sus iniciales resistencias a participar en este tipo de actos formales, y ante los argumentos de su amigo, decide participar en el acto (aunque finalmente un bombardeo le impedirá llegar al lugar donde se ha convocado la reunión): “Mientras pensáramos en la literatura, mientras nos saludáramos tal como exige la buena educación y utilizáramos los cubiertos para comer, mientras deseáramos escribir o pintar algo, mientras nos esforzáramos por articular nuestra situación y sentimientos a través del teatro, tendríamos la posibilidad de persistir como seres de cultura, de defender nuestra ciudad y la tolerancia que en ella reinaba, de salvaguardar nuestro derecho a la convivencia entre pueblos, religiones y convicciones diferentes. Por eso era importante que en la reunión en la que se fundara el PEN Club de Bosnia y Herzegovina estuviéramos todos los que teníamos que estar”.

El respeto por uno mismo, la supervivencia como “seres de cultura”, la creencia en un sentido ético de nuestros actos, todo ello es lo que simboliza el arte, la creación. No el placer, no la belleza vacía, la aspiración a un ideal por el que nos esforzamos y por el que nos distinguimos de quienes pretenden destruirlo. Todo ello es para Karahasan el profundo significado de la cultura. Más necesaria cuanto más prescindible y amenazada parece, más cerca de los hombres cuanto más alejados están los hombres entre sí.

Éstas y otras muchas reflexiones se recogen en su obra Sarajevo. Diario de un éxodo, (Galaxia Gutenberg) donde Karahasan nos hace partícipe de su experiencia y de lo positivo que pudo extraer de ella.

Una lección musical

2008-02-10T00:41:00.000-08:00

En mayo de 1747 el cantor de la capilla de Leipzig, Johann Sebastian Bach, acudió a la corte de Federico el Grande invitado por éste para conocer su opinión sobre unos nuevos pianofortes construidos por Silbermann.

Aprovechando la presencia de Bach y sus conocidas dotes para la improvisación, el monarca propuso un tema para que Bach improvisara sobre el mismo. Se cuenta que Bach superó con éxito la prueba pero, a su regreso a Leipzig, se dedicó a escribir diversas variaciones sobre el tema real según diferentes técnicas que ya había desarrollado en obras anteriores. En dos semanas ya se había publicado lo que se conoce como Ofrenda Musical, presente del compositor a su monarca en el que se incluía una sonata con partes para flauta, instrumento que dominaba Federico el Grande y con el que solía dar conciertos diariamente en su corte de Postdam.

En aquella época Bach era más conocido como organista que como compositor (sólo en el siglo XIX se recuperó su obra que había caído en el olvido). En este sentido, Bach fue totalmente ajeno a la figura del compositor de personalidad extravagante, dominado por su genio y que sólo se debe a su arte, que acabaría imponiéndose. Todo lo contrario, su trabajo y su personalidad le acercan más al papel del artesano, perfecto conocedor de su trabajo, orgulloso del mismo pero respetuoso con el trabajo de los demás.

Esta personalidad de Bach queda reflejada en la Ofrenda Musical. Las partes de flauta escritas para ser interpretadas por el rey son lo suficientemente complejas como para que éste tuviera que esforzarse y para que la interpretación fuera un desafío; pero eran accesibles de modo que el orgullo del oferente no colocase al monarca ante la incómoda situación de ser incapaz de interpretar aquello que se le presentaba como una ofrenda.

Al tiempo, y aprovechando las técnicas de composición de cada una de las variaciones canónicas, el genio de Bach se permite jugar con la ironía. Así, Canon in augmentationem (paulatinamente la duración de las notas va aumentando) se adorna con el lema “que la Fortuna Real aumente igual que lo hacen estas notas”. Otro ejemplo: el Canon per Tonos se caracteriza por comenzar en la tonalidad de do menor y acabar, imperceptiblemente, en el mismo punto de partida pero en una tonalidad superior, re menor desde donde puede recomenzarse para terminar ascendiendo nuevamente de tono. El lema es “que la Gloria Real ascienda como ascienden estas modulaciones”.

¿Qué tiene que enseñarnos Bach pasados más de 260 años desde aquel encuentro? ¿Qué tiene de actual la anécdota? Creo que Bach nos muestra cómo esforzarnos en nuestro trabajo (no bastó la improvisación momentánea, la chispa inspiradora de su interpretación ante Federico). Su esfuerzo por completar y abordar todas las posibilidades del mediocre tema real, el asumir esa tarea y alumbrar una obra imperecedera nos hablan del valor del esfuerzo. Bach respetaba su trabajo, no importaba que éste se aplicara a una breve composición o a una composición grandiosa.

Bach también nos enseña la modestia, no compuso las partes de flauta para un virtuoso, no pretendía ofender a nadie con su obra, quería que el Rey (y quienes le escucharan) disfrutaran de su obra. No quiso abrumar, dar por sentada su superioridad, supo colocarse en un justo punto de equilibrio.

Pero Bach también nos enseña a tomarnos nuestro trabajo con humor, a desafiar al poder con ironía e imaginación (quizá lo que más daño le hace).

El niño con el pijama de rayas

2008-01-31T12:16:00.001-08:00

Uno de los mayores éxitos editoriales de 2007 ha sido El niño con el pijama de rayas, probablemente el libro más regalado entre mis conocidos estas Navidades. Su autor, John Boyne, ha escrito otras cuatro novelas y recibido algún premio en Irlanda, pero el éxito internacional de esta pequeña historia (con una versión cinematográfica en camino, traducciones a 32 lenguas, etc) parece haberle sorprendido casi tanto como a las pequeñas editoriales que apostaron por su obra.

Apenas sin promoción y por el simple método del boca a boca ha logrado encaramarse a las listas de éxito con esta pequeña historia de la que el propio autor nos da su moraleja: “si comienzas a leer este libro, antes o después llegarás a una valla. Vallas como ésta existen en todo el mundo. Esperamos que no tengas que encontrarte frente a tales” vallas”

Tratar el tema de los campos de exterminio nazis mediante diversas perspectivas que alivien el horror que instintivamente generan es una técnica habitual. Así ocurre, por ejemplo, en la película italiana La vida es bella en la que el objetivo del protagonista es procurar que su hijo no descubra el horror en que encuentra inmerso.

Lo que puede resultar más novedoso en El niño con el pijama de rayas es que, en esta ocasión, el protagonista es un niño alemán, el hijo del director de uno de esos campos de exterminio.

Nos encontramos ante un pequeño cuento en el que el tratamiento de las situaciones y los personajes se reducen al mínimo imprescindible con total ausencia de matices que enriquezcan o arropen la historia. Considerémoslo como parte del carácter de cuento infantil en el que se inspira el autor. La mayor prueba de dicho aspecto cuentístico es que, al igual que la mayoría de cuentos tradicionales infantiles, que tienen un trasfondo violento y macabro apenas disimulado, El niño con el pijama de rayas tiene un final no apto para la mayoría de los lectores que comprarán la obra y que llorarán desconsolados creyendo estar ante un drama digno de Sófocles.

En cuanto al resto de méritos literarios no cabe decir mucho. Que el narrador sea un niño no debería redundar necesariamente en una simplicidad excesiva o un lenguaje básico. La psique infantil ofrece bastantes posibilidades de exploración como para que el autor pueda sacar lo mejor de sí mismo.

Pero no seamos tan exigentes. El libro está correctamente escrito, la historia es simple pero directa y eficaz y tiene todos los ingredientes para convertirse, en un clásico de nuestras librerías. A ello ayudará, sin lugar a dudas, su inminente adaptación cinematográfica .

Resumiendo el argumento y evitando desvelarlo en exceso, del mismo modo que hace el editor en la contraportada, diremos que se trata de la narración de un niño que acompaña a su padre a un campo de concentración al que ha sido destinado como director. De este modo, el protagonista pierde todo su arraigo con su escuela, sus amigos, sus abuelos y se esforzará por reconstruir el pequeño mundo al que estaba acostumbrado, sobre todo, buscando aquello que más extraña, la amistad.

La pequeña historia tiene el mérito de compaginar la ternura con la tragedia sin caer excesivamente en el sentimentalismo facilón al que tanto se presta la trama. Representa también con bastante acierto la necesidad de afecto humano que el protagonista demanda y que debe buscar por sí mismo.

En definitiva, se trata de un libro cuya lectura nos resultará agradable y ligera (pese al final sombrío) al tiempo que quizá nos permita ver el tema de los campos de concentración desde una perspectiva infrecuente.

Joan Baez (y Bob Dylan)

2008-01-09T13:37:00.001-08:00

Hoy toca otro aniversario musical. En este caso, el cumpleaños número 67 de Joan Baez, la conocida reina del folk, famosa por su música, sus actitudes rebeldes y su peculiar relación con Bob Dylan.

Joan Baez destacó desde un principio por su voz de soprano, potente y clara, más propia de un estilo menos rudo y popular que el folk. SIn embargo, sus gustos le convirtieron en una joven promesa del Greenwich Village y en una de las primera estrellas de esa escena emergente que logró grabar un disco a primeros de los años sesenta.

Logrado cierto reconocimiento musical, incluso más allá del reducido círculo del folk, Joan Baez quedó prendida de un jovencito Bob Dylan que había llegado a Nueva York hambriento de fama y reconocimiento, que había tomado la canción tradicional como un medio para desarrollar su arte. La figura de la reconocida cantante protegiendo a su joven pupilo comenzó a ser habitual en los garitos del Village. Si bien es cierto que el talento de Dylan habría aflorado antes o después, el apoyo de Baez fue una ayuda excepcional. Ésta le presentó en los ambientes musicales, que en otro caso se habrían mostrado más reacios y le llevó de gira en 1964 por los Estados Unidos como estrella invitada, aunque el joven Bob acabó por robarle todo el protagonismo.

La relación entre ambos se convirtió en algo más que meramente musical y pasaron a convertirse en la pareja de moda que acudía a manifestaciones por los derechos civiles y que no se privaban de mostrar su mutuo amor.

Sin embargo, el mundo de la canción protesta, sus ideales políticos y su lenguaje comenzaban a ser una limitación para un Dylan cuya confianza en sí mismo crecía día a día. En un largo y doloroso proceso, Dylan se fue desengarzando de este movimiento, siendo la mejor expresión visual del mismo, su célebre actuación en el festival de Newport de julio de 1965 donde interpretó tres temas ensordecedores con la Paul Butterfield Blues Band y fue abucheado por un publico que hasta ese momento le adoraba. Trastornado, subió nuevamente al escenario gracias a las súplicas del presentador de la velada, Peter Yarrow e interpretó una versión acústica de It´s all over now, Baby Blue, todo un símbolo.

Este proceso musical se vió acompañado por un cambio sentimental. Joan Baez perdió peso en su vida amorosa en favor de Sara Lownds con quien finalmente Dylan se casaría. Ambas mujeres representaban mundos totalmente opuestos: Baez era activa, díscola y no rehuía el protagonismo público, Sara prefería la vida discreta y el cuidado de sus hijos.

Al igual que la actuación en Newport marcó el final de la primera etapa de Dylan, la gira inglesa de 1965 (de la que hay una película documental extraordinaria dirigida por D.A. Pennebaker: Don´t Look Back) supuso el momento en el que Baez comprendió el papel que realmente desempeñaba en el universo Dylan. Puesto que ella había llevado a Dylan de acompañante en sus giras americanas, creía que en la gira inglesa ella sería también invitada a subir al escenario. nunca ocurrió. En las imágenes del documental se ve a un Dylan encantado con sus amigos roqueros ingleses o con su corte de aduladores, poco pendiente de una Baez que yace tumbada en sofás de hoteles rasgando abúlicamente una guitarra y siendo el blanco de las bromas del grupo.

Baez rehizo su vida y su carrera, grabó discos, comenzó a componer sus propias canciones, luchó contra la guerra de Vietnam junto a su marido, David Harris, quien fue encarcelado por negarse al alistamiento. Se divorció y volvió a subirse a un escenario con Dylan en la gira RollingThunder Revue de mediados de los 70, esta vez sí invitada por su antiguo amante. en esta ocasión, la relación entre ambos en el escenario, en el rodaje de la película paralela Renaldo y Clara y en los camerinos fueron un motivo más para la definitiva ruptura entre Dylan y Sara: la venganza se sirve fría.

Dejamos una muestra de una de las actuaciones de esta mítica gira y de la química no perdida aún entre ambos.

With God On Our Side (1963)
Blowin´ In The Wind (1975)

Elvis y Ed Sullivan

2008-01-08T13:30:00.001-08:00

Hoy se cumple el 73 aniversario del nacimiento de Elvis Presley. Para muchos, es el símbolo y la quintaesencia del rock and roll, para otros simplemente un pequeño juguete en manos de unos pocos (Sam Phillips, el Coronel Parker, las drogas, etc) que le ofrecían canciones que ni siquiera le gustaba cantar y que habían sido éxitos del r´n´b compuestas por artistas negros reconvirtiéndolas en éxitos para los jóvenes blancos de clase media.

En cualquier caso, lo que nadie le podrá negar es su atractivo como icono de una época en la que los jóvenes trataban de construir un ocio alejado del de sus padres y en el que las barreras sociales y raciales empezaban a perder peso.

De ahí que la importancia de Elvis sea mayor a nivel sociológico y cultural que a nivel musical. Sus actitudes, movimientos y descaro atrajeron la admiración de una generación de jóvenes que se identificaban con su ídolo en gran parte porque causaba escándalo en sus padres.

En este vértice entre la admiración y el rechazo se movió Elvis en sus primeros años; buena prueba de ello es su actuación en el Ed Sullivan Show, programa de variedades de la televisión que el 9 de septiembre de 1956 invitó al rockero pese a que el propio Ed había asegurado que nunca le llevaría a su programa. Eso sí, Elvis actuó pero sólo de cintura para arriba: las cámaras enfocaron un primer plano del cantante de modo que sus contorsiones y bailoteos quedaron ocultos a los ojos de la puritana sociedad norteamericana.

Aunque John Lennon asegurase que Elvis murió el día en que se convirtió en el recluta Presley viajando a Alemania, lo cierto es que la muerte no le llegó hasta el 16 de agosto de 1977. Claro es que, miles de imitadores y admiradores procuran que su leyenda no decaiga.

Como regalo de cumpleaños dejamos una versión “con piernas” de Hound Dog. El propio Lennon dijo también, como un profeta bíblico, que antes de Elvis no había nada. Por si acaso dejamos la versión de la misma canción de Big Mama Thornton, unos años antes.

Hound Dog con piernas
Big Mama Thorton

Aniversario del nacimiento de Sherlock Holmes

2008-01-06T09:41:00.000-08:00

Hoy se cumplen 154 años del ficticio nacimiento de Sherlock Holmes, la famosa creación literaria de Arthur Conan Doyle.

Los aficionados a las aventuras del héroe de Baker Street han podido reconstruir la biografía básica del célebre detective a partir de decenas de pistas desperdigadas entre las novelas y relatos que escribió su creador.

Según esta biografía reconstruida, el genial detective nació en el condado de Yorkshire un 6 de diciembre de 1854, en el seno de una familia burguesa. Es, por tanto, seis años y medio más joven que su amigo y colaborador Watson quien dejó constancia de las peripecias profesionales del investigador y que tomó parte en muchas de ellas. En otro sentido, es siete años más joven que su eterno enemigo, Moriarty quien logró acabar con la vida de Sherlock Holmes en las cataratas Reichenbach. Claro es que Sherlock Holmes volvió a la vida gracias a las súplicas del público inglés que se resistía a la desaparición de su héroe. Incluso la propia madre de Arthur Conan Doyle presionó a su hijo para que éste retomara a su más famoso personaje.

Para el escritor británico la sombra de Sherlock Holmes siempre fue en exceso alargada puesto que apagó el brillo del resto de su obra literaria que él juzgaba muy superior a sus pequeños entretenimientos detectivescos. Sin embrago, el escritor no se privó de emular a su personaje más famoso, tratando de desentrañar personalmente un caso criminal.

Se trataba de la condena de un joven abogado por la muerte de varios animales en un condado rural a varios años de trabajos forzados sin que hubiera claras pruebas incriminatorias. Conan Doyle logró la revisión de la condena y su acción dio lugar a la creación de los Tribunales de Apelación en el Reino Unido.

Es frecuente en la Literatura que los escritores den vida a personajes que reflejan su forma de ser o entender el mundo. Más infrecuente es este caso de un autor que acaba imitando a sus propios personajes (excluyo casos de demencia).

Valga este día como homenaje a Sherlock Holmes, pero también a su creador.

El misterio de Agatha Christie

2008-01-06T04:09:00.000-08:00

El 12 de enero se cumplen 32 años del fallecimiento de la reina del crimen, Agatha Christie. Su talento para el suspense y el misterio le proporcionó fama y reconocimiento internacional. Maestra en desvelar misterios ajenos, se llevó a la tumba consigo el mayor de todos ellos: su desaparición durante 11 días en el año 1926.

La noche del 3 de diciembre de 1926 abandonó su casa en coche con rumbo desconocido. El vehículo apareció abandonado poco después sin rastro de la joven novelista. Inmediatamente se dio la voz dealarma para tratar de localizar a la autora en medio de una nube mediática digna de la fama de la escritora, pero más propia de nuestros días. El propio Ministro del Interior británico tomó cartas en el asunto y celebridades como Sir Arthur Conan Doyle ofrecieron sus servicios para aclarar el misterio.

Lo cierto es que Agatha apareció 11 días después,el 14 de diciembre de 1926, registrada en un hotel de Harrogate, bajo el nombre de Teresa Neele siendo la versión oficial que el incidente se explicaba como un episodio de amnesia consecuencia de un accidente con su coche. Agatha Christie se negó a responder a ninguna pregunta sobre este asunto durante toda su vida, contribuyendo así a aumentar el misterio que envolvió a su desaparición.

A falta de una explicación razonable, las teorías más inverosímiles e improbables han tratado de ganarse un lugar en diversas biografías de Agatha Christie. Junto a la explicación de la posible amnesia de la autora (de la que, por cierto, se desconoce que tuviera posteriores episodios similares), se ha propuesto más recientemente otra explicación médica, el síndrome del “estado de fuga”.

Según el impulsor de esta teoría, el médico Andrew Norman quien la defendió en El retrato acabado (2006), el estado de fuga consiste en una profunda depresión o trauma que lleva no sólo a una amnesia respecto del pasado, sino que impulsa al paciente fuera de su ámbito doméstico asumiendo en muchos casos una personalidad diferente a la suya propia.

¿Cómo llegó Agatha Christie a una situación tal que la hiciera caer en ese estado de fuga?. Norman sugiere dos hechos acaecidos durante 1926 que socavaron y quebraron la salud psíquica de la escritora: la muerte de su madre y la confesión de su marido de que tenía una amante por la que estaba dispuesto a divorciarse. Agatha Christie, según la imagen pública por la que es conocida, convencional y puritana, hija de una sociedad aún imbuida de la moralidad heredada del siglo XIX, reprimió sus impulsos que terminaron por aflorar bajo el disfraz del estado de fuga.

En fin, muy prosaico, ¿no creen? La genial autora de libros como Diez negritos o Asesinato en el Orient Express merece algo más novelesco y complejo, algún pequeño as bajo la manga con el que deslumbrar al lector despistado. Hagamos ese pequeño trabajo como homenaje a ella en el aniversario de su fallecimiento y no olvidemos que, junto a sus famosas obras policíacas, también escribió bajo el seudónimo de Mary Westmacott varios novelones rosa.

Con esta premisa, y al igual que en las últimas páginas de sus relatos desvelaba una a una las pistas que habían llevado a sus personajes a conocer los hechos indubitados que descubrían al asesino, ladrón o ambas cosas a la vez, nos aventuraremos a desvelar el misterio mejor guardado por Agatha Christie.

Destrozada por la confesión de su marido, y con el fin de frustrar su amenaza de divorcio, o simplemente con la intención de causar daño a su marido (verdadero gran amor de toda su vida, pese a que posteriormente contrajo nuevo matrimonio), planeó cuidadosamente su desaparición. Para ello, abandonó su vehículo en un paraje próximo a la casa en la que su marido se citaba con su amante dejando así una pista falsa para que la policía creyera que aquél era el presunto asesino o, al menos, el culpablede la desaparición de su esposa.

En el hotel en el que se refugió a la espera de ser descubierta finalmente por la policía británica se registró bajo el falso nombre de Teresa Neele; curiosamente, el nombre de la amante de su esposo era Nancy Neele. La coincidencia en el apellido no era otra cosa que un guiño siniestro a su marido a quien le bastaría para comprender lo que su mujer podría llegar a hacer por causa de los celos.

Desgraciadamente, la trascendencia mediática de su desaparición frustró sus planes dado que lo que pretendía no ser otra cosa que un pequeño acto de venganza privada hacia su marido, se le escapó de las manos forzándola a inventar una increíble historia de amnesia y accidentes. Finalmente, perdió a su marido, pero su fama se consolidó definitivamente lanzándola a un estrellato que ni siquiera su fallecimiento le ha arrebatado.

Esta teoría, defendida entre otros por Cade en una polémica biografía, seguramente esté tan alejada de la realidad (o tan cerca de ella) como el resto de teorías al respecto. De lo que estoy totalmente convencido es de que la propia Agatha Christie sufrió por no poder escribir una novela con este argumento y final.